Me questiono o que leva esta Cellista Sueca a tocar lindas linhas de Cello, construindo com suas melodias, um Tango para Argentinos verem?
Se não, vejamos:
Suécia. Mulher. Cello. Tango. Beleza. Excelência.
Tudo isto – e muito mais – se reúne na pessoa de Beata Söderberg.
Este disco me fez lembrar de algumas coisas importantes para mim, ainda mais passando por este momento de intenso desânimo em minha vida. Amor? Ah, o Tango tem este poder. E é com este álbum que me dei conta que já amei muito. Poucas mulheres. Algumas, maravilhosas. Outras, verdadeiras flores urticárias. Mas todas, me faziam me sentir vivo. E, estou vivo.
Não sei se era esta a intenção Cellista Sueca Srta. Söderberg ao gravar este disco, magistralmente apoiada por sua banda Justango. Um disco instrumental, como quase que por hábito da maioria dos Cellistas, mas que diz muito mais do que quase a totalidade das bandas de rock de hoje. Ao abrir o encarte do Álbum – e estou desesperado para achar os outros dois – nota-se que tudo, salvo pequenos títulos em Inglês; está escrito no mais perfeito Castelhano.
Aos primeiros minutos da gravação, vemos a Srta. Söderberg literalmente falando através de seu Cello, com uma beleza e poder de expressão estonteante. Sim, seu Cello nos diz coisas, possivelmente segredos. Com esta primeira música, “Viviana”, ela já nos mostra o tom apaixonado do Tango com pitadas de Jazz que irá ditar o ritmo ao longo deste trabalho. A suavidade, a maneira como o magistral piano do maestro Juan Esteban Cuacci parece se entrelaçar com o Cello, criando uma atmosfera única e mágica. Orgânica. Viva. “Viviana” é uma música viva. Aliás, o álbum inteiro o é. As vezes, ele “pausa” como se demonstrasse cansaço e pede um tempo para recobrar o fôlego. E, retorna, embalado pelo som do Cello, novamente, forte e sincero, repleto de sentimentos. Matizes. Inúmeras. E novamente, a expressividade.
Não apenas o Piano interage com o Cello. O Acordeon muitas vezes, em um contraponto constante, empresta um charme ao “dialogo”. Aliás, tal diálogo não se sente rogado em apelar e se apoiar apenas à melancolia característica entre o piano e a bateria, em um digno intercurso Jazzístico. E que intercurso! Com certa melancolia, estas partes pode nos remeter facilmente a solidão de uma mesa de bar...
Aliás, a característica do Tango Argentino não é uma certa melancolia?
Pois é. Mesmo durante as partes ditas mais “agitadas” deste álbum, a tal melancolia está ali, sempre presente. Não se escapa dela. É impressionante.
Por algum motivo, a “Viviana” – agora não mais a primeira música apenas – está ali, ao longo deste álbum, personificada em uma mulher linda, solitária, talvez loira de olhos ternos; a pensar na vida... Este album, definitivamente é a alma de uma mulher latina. Mas não, a “vulgar”. E sim, a mulher charmosa. Misteriosa. A que seduz. Mas sabe que, continuará sozinha... E, coitado de quem pensar que não.
O álbum corre. Seu final como de se esperar, é uma despedida melancólica apesar de extraordinário. E porquê não, já esperado?
O Cello se esvai em uma nota eterna, enquanto o piano “diz” as suas últimas notas...
Bom, o que posso dizer além de que, a Srta. Söderberg conseguiu nos brindar com um algo recheado de um charme ao mesmo tempo que, descaso excelente?
Vou dormir com ares de melancolia...
Impressionante... E a F.D.P. é linda, ainda por cima...
Alguém aí de vez em quando costuma compor melodias de banheiro durante o fim de semana, mas como eu, não curte os programinhas mais modernosos como os Encores da vida e preferem ir no velho lápis e borracha?
Segue o link de uma homepage bacanuda aonde é possível se fazer folhas / pentagramas personalizados. Não é programa, a coisa é online mesmo.
Como ocorre em praticamente todos os instrumentos musicais, o Cello costuma ser um instrumento bastante confuso para músicos e estudantes de todos os níveis.
Uma área de particular dificuldade envolve a determinação de aonde as várias notas diferentes podem ser produzidas no instrumento. Algumas podem ser produzidas nas quatro cordas, enquanto outras podem ser produzidas apenas em uma delas.
Somando-se a isto, as localizações relativas aonde tais notas são tocadas, diferem em uma corda para outra. Assim, esta tabela de referência de notas para Cello pode ser de muita utilidade para quem ainda não se sente confortável com todas as notas, posições / relações entre elas e tampouco tem prática em como achá-las – inclusive eu.
O ideal é que tal impressão seja feita em uma folha com cerca de 34 polegadas de largura por 18 polegadas de altura. Mas, como opção econômica, uma simples impressão colorida em folha A-4 até que passa.
Uma dica legal que funciona bem para as pessoas que são mais visuais e conseguem atrelar as cores à cada nota, é, ao trabalhar com tal tabela, tentar conectar a localização de cada nota no espelho do instrumento, á uma determinada nota e “temperatura”. Isto é, o #C por exemplo, por ser mais “baixo”, pode ser atrelado a uma cor mais escura, aveludada e quente, talvez um vermelho/ vinho escuro puxado para o sangue. Subindo a nota, indo até o #A por exemplo – uma nota mais alta, “cortante”, pode-se atrelar esta um amarelo claro. Entre estas notas, passar por todo o espectro de cores, com cada nota ligada a uma determinada cor que mais lhe remeta a ela... Bom, só uma dica, funciona bem para mim...
Em épocas em que vizinhos megalomaníacos utilizam a já hiper saturada justiça Brasileira para promover verdadeiros bizarrias anticonstitucionais, me pergunto aqui se a mesma além de cega, é burra. Aparentemente é. E prostituída. Verdadeiramente vendida. Quem tem mais, leva.
Não é nenhuma novidade o tremendo circo de horrores sociais promovidos por algumas “associações de bairro” aqui no Brasil. Diz-se (eles) que o "(...) Projeto de Lei 3057 de 2000 que tem por objetivo a atualização da Lei de Parcelamento de solo (6766/79) poderá ser um avanço para diversos segmentos da sociedade Brasileira caso sua aprovação leve em consideração que a lei deve acompanhar o fato social."
Me assusta o tratamento dado à questão do processo de regulamentação de tais loteamentos fechados por parte de grande parte do setor jurídico e dos profissionais do mesmo, bem como políticos que mostram uma total falta de preparo e conhecimento da realidade social vigente neste país, ou pior, qualquer noção de teoria social.
Me pergunto aqui: “(...)poderá ser um avanço para diversos segmentos da sociedade Brasileira"? – Avanço para quais setores, especificamente? E os gênios que sustentam esta retórica furada, se basearam em alguma obra filosófico-social derivada de Émile Durkheim? Se de fato o é; porque não é citada a coerção sobre os indivíduos, cuja tal obra é embasada?
Porque quanto a este assunto, o que ocorre no Brasil no momento é justamente isto: A utilização do sistema jurídico Brasileiro como uma forma de coerção em relação aos menos favorecidos perante os mais favorecidos. Neste país, acostumou-se a falar bonito (mas sem saber de fato o que está sendo falado) para justificar interesses visivelmente particulares, atropelando todo e qualquer bom senso ou noções de ética ou moral.
Infelizmente não posso citar o nome do gênio que escreveu o texto acima sob o risco de acabar tomando um processo nas costas. Mas só posso dizer uma coisa: - O sujeito é burro. Aliás, burro para caralho. Mas, mais burro do que ele é a justiça que aparentemente vira de quatro quando, de tempos em tempos, surge algum espertalhão – ou no caso, um grupo deles, re-interpretando conceitos que os mesmos sequer entendem.
O que me entristece de fato é que quem está no poder público aparentemente não tem nenhuma capacidade ou alcance intelectual para perceber o que de fato ocorre:
- A regulamentação de processos de condominização, e a legitimização de centenas de processos jurídicos movidos por tais associações, por bens e serviços não solicitados.
Moradores estes, legítimos, e em sua grande maioria idosos que não conseguem acompanhar a desejada especulação imobiliária promovida por tais associações, e que então, escorraçados e por fim, são obrigados a se desfazer de seus imóveis.
Hoje já não basta você construir sua casa própria. Tem que se tomar cuidado aonde se constrói, pois aparentemente a justiça é conivente com esta forma moderna de estelionato.
Me pergunto o que nossa classe política esta fazendo lá em Brasília. Será que aquela Disneylândia disfarçada de capital, os cegou a tal ponto que lhes é impossível enxergar a um palmo a frente de seus próprios narizes? Porquê permitem que os mestres da retórica disfarçados de terno e gravata, distorçam todo o sistema jurídico para provar por “A + B” que o que é errado, é moralmente correto e ético?
Não meus caros... Infelizmente para vocês, não sou cego e nem burro. Eu já vi histórias bem similares ocorrendo em outras partes do mundo, embora os “motivos” tenham sido outros. Infelizmente, não posso aceitar que um cidadão pregue que este movimento de regulamentação de loteamentos fechados seja um avanço para vários setores da sociedade Brasileira.
Meus caros, a história nos mostra que todas as tentativas de formas decontrole social praticado inicialmente por um grupo de pessoas visando interesses próprios, resultou em aberrações e monstruosidades sociais sem precedentes. Oras, não é necessária muita visão de mundo para entender o que se passou ou na Europa no início do século XX, bem como na África do Sul, durante o regime inglês.
Pois é exatamente o mesmo modelo que se está tentando ser implantado aqui no Brasil: o início de uma segregação social em larga escala. A separação entre ricos e pobres.
Tenho nomes e definições para isto. Que tal Estelionato? Que tal discriminação social? Que tal, uma forma renovada de Apartheid? Ou ainda – e porque não - Nazi-Fascismo?
Talvez meus caros; vocês que estão aí em cima tentando forçar a barra com tais idéias de uma nova topografia social no país, tenham a sorte de que no geral o povo Brasileiro é absurdamente acomodado e não tenha o tino para reagir à altura. Já vimos guerras ocorrendo por bem menos...
A quem devemos recorrer?
EUA, ONU, HRW... Pelo amor de Deus, intervenham por aqui!
Em tempo 1:
Ao cidadão que outro dia disse na portaria de meu bairro que disse para mim que "Che Guevara morreu a muito tempo".
- Claro. É fato. O que hoje não tem de Che Guevara's por aí, tem de sobra em pessoas que sequestram Boeings para jogar contra edifícios, S.E.Q.V.M.E.
Em tempo 2: Sair com o discurso que tais associações assumem a "segurança" de tais bairros é válido juridicamente visto o fracasso do Estado neste sentido. Agora, praticar a justiça com as próprias mãos não é crime? Não tem alguma coisa furada neste discurso todo - deles?
Dando continuidade à postagem do material utilizado na dissertação escrita pela Srta. Sheila Sampaio, disponibilizo aqui os 40 Estudos - Op. 73 - de David Popper.
Além dos estudos em si, gosto muito deste cara por conta de dois motivos “além” Cello: O primeiro, por esta fantástica foto – ou seria grafite? – dele, em que está com ares de cientista louco. E segundo, por ele ter nascido em Praga, na República Tcheca, cidade que tanto adoro.
Popper nasceu em 18 de Junho de 1846, e estudou no conservatório de Praga aonde foi aluno de Julius Goltermann, aonde logo chamariaatenção sobre si, saindo em tour em 1863 causando ótima impressão sobre os músicos Alemães da época. Sendo bem sucedido nesta empreitada, estendeu esta tour pela Suíça, Holanda e Inglaterra, aonde foi igualmente bem sucedido. Seu “debut” como Cellista solo se deu em Viena, Áustria; em 1867, tocando na casa de ópera (ou Hofoper).
Em 1873, ele abriu mão de seu cargo em Viena para poder seguir com sua esposa, em concertos ainda maiores por toda a Europa, parando apenas em 1886, com a indicação por Franz Liszt para que assumisse uma das cadeiras do recém aberto departamento de cordas do conservatório de música em Budapeste, Hungria.
Durante este período, ele participou do Quarteto de Cordas de Budapeste, tendo performado em mais de uma ocasião com Johannes Brahms, inclusive na premiére da célebre Op. 101 para piano e trio.
Muitas das composições para Cello se tornaram bastante famosas através de seu arco, sendo as mais conhecidas, Sarabande e Gavotte; além de inúmeras obras para quartetos de corda, suítes e concertos bem como os 40 estudos para Cello disponibilizados aqui.
É uma característica de quase toda a sua obra o forte sentimento imprimido por ele em suas composições, bem como a execução e notável acabamento.
Existe uma lenda que diz que Janos Starker costumava falar que Popper sempre tinha o péssimo hábito de acumular uma generosa conta em um restaurante local. Para que conseguisse pagá-la, Starker falava que Popper sempre ia para casa e compunha uma peça e em seguida a vendia, aonde utilizava o dinheiro do pagamento, para pagar tal conta.
Claro, se isto é fato ou não, já é outra estória...
"Quem nunca se fodeu ao arrumar a posição do cavalete do seu instrumento manualmente"?
Eu já. E acredite, se você não passou por isto ainda - alma caindo, posição errada do cavalete, sons esquisitos etc - não sabe o quanto uma coisa dessas pode ser extremamente pentelha e frustrante.
Então, óbviamente ninguem aqui é Luthier e tampouco tem grana para ficar gastando a toda hora com ajustes mais simples como o posicionamento do cavalete, vai aqui um esqueminha básico sobre qual é a posição correta do cavalete em relação aos "f's" do instrumento, bem como em relação à alma.
É valido mencionar que naturalmente isto não é uma regra, isto é, não é valido para todos os instrumentos - então, mexer nisto é legal só quando se conhece muito bem o seu instrumento. Mas algumas mexidas depois, você acaba aprendendo qual é a melhor posição do cavalete para seu instrumento visando uma maior potência sonora, "corpo" do som, timbre, qualidade etc
No entanto... Fica aqui uma recomendação:- Se tiver dúvidas quanto a isto, NÃO mexa nisto, pois pode ter surpresas bem desagradáveis...Neste caso, prefira um Luthier de sua confiança...
Para os mais "ousados", espero que isto dê uma ajuda quanto ao posicionamento correto da peça.
Quanto a Alma, sei que é possivel se colocá-la na posição correta de maneira "caseira", inclusive sei de casos de pessoas que já o fizeram com um garfo. Na boa? Eu não arrisco isso, mas nem fodendo; mexer na alma já é demais...
Segue esqueminha:
P.S - ISSO é por sua própria conta e risco, não me venham xingar caso façam cagadas, okay?
Após o início de minhas aulas de Cello, tenho utilizado este trabalho de mestrado da musiscista Sheila Sampaio Ribeiro pela Escola de Música da Universidade Federal de Minas Gerais, de 2003.
Esta dissertação teve por objetivo a dinamização do ensino - e no nosso caso, o aprendizado - do instrumento, através da escolha rápida de exercícios em diversos niveis diferentes, classificados pela utilidade de cada exercício, com enfoque nos 21 Estudos Para Cello de Jean Louis Duport, os 113 Estudos de Johann Friedrich Dotzauer e os 40 Estudos - Op. 73 - de David Popper.
Embora este guia tenha uma abrangência desde o básico até o avançado, ele se constitui em um ótimo guia para a escolha acertada de cada estudo, através de seu objetivo.
Este trabalho é bastante interessante pois, pouco material existe por aí - ainda mais em Português, para os que não domina o idioma Inglês - sobre os "Estudos", exercícios mais elaborados do que os "Métodos" (Publicações divididas em lições e pequenos exercícios destinados ao aprendizado das técnicas básicas). Os estudos tem por objetivo a consolidação e desenvolvimento das técnicas básicas aprendidos nos métodos, abordando didaticamente problemas específicos da execução; desenvolvendo assim, a resistência física e mental mediante as dificuldades técnicas.
Os exercícios técnicos e os Estudos constituem a ferramenta que utilizamos para atingir nosso objetivo principal; o pleno domínio do instrumento, que nos permita a plena expressão musical.
Então, os Estudos encontram-se a meio caminho entre a técnica pura (execução correta dos movimentos necessários para a produção do som) e os estudos de repertório.
Aos estudantes do instrumento como eu, é particularmente interessante o "Anexo D", aonde estão separados os exercícios de cada método por "finalidade do exercício", "nível de dificuldade" e a tonalidade utilizada.
À Srta. Sheila Sampaio Ribeiro, vale mencionar que tentei localizá-la para pedir a autorização de publicação deste estudo aqui, mas infelizmente não tive sucesso. Portanto, caso leia este, se não for de seu interesse que este material seja disponibilizado para download, por favor me avise que o retiro da homepage.
Aos demais estudantes / professores, vale muito a pena dar uma analisada neste material; e espero que o mesmo seja tão util para vocês, quanto o é para mim.
Dado a publicação aqui deste material, nos próximos dias postarei os Estudos de Duport e Popper, mencionados aqui. O Dotzauer - Tanto o método quanto os 113 Estudos quanto o métodos, se encontram disponíveis nesta homepage.
Giuseppe Tartini (Pirano, 8 de abril de 1692 – Pádua, de 26 de fevereiro1770) foi um violinista, pedagogo e compositoritaliano.
Formou uma famosa escola de violino – a Escola das Nações – de onde saíram eminentes violinistas, entre os quais Nardini.
A sua obra mais conhecida é a póstuma sonata “O trilo do diabo” (Sonate du Diable), também conhecido como “O Sonho de Tartini” (Sonata n.º 2 Op. 1).
Esta Sonata possui este nome devido a um espantoso encadeamento de trilos no terceiro movimento, bem como a lenda de que a realização dessa sonata teria sido sugerida em sonho por um demônio, que supostamente teria aparecido no pé de sua cama tocando um violino. E, junto a esta lenda, demonstrando sua incrível perícia no instrumento, dizia-se também que Tartini tinha na verdade seis dedos em sua mão esquerda, tamanha a dificuldade dos demais violinistas em executarem tal obra, sendo até hoje considerada complicadíssima mesmo para os padrões modernos...
Até hoje a obra permanece como "peça de resistência" no repertório dos virtuoses.
Os exercícios para arco contidos neste “L’art de l’archet” são na verdade 1 tema e 50 variações do mesmo, todos com enfoque no correto manejo do arco visando a execução dos mesmos. São ótimos para a geração de câimbras nos músculos da mão direita. hehehe
Caso os sintomas persistam – as dificuldades ou as câimbras – não hesitem em consultar um médico e um professor.
Uma das coisas interessantes em se ter uma certa morbidez encravada dentro da alma, é o gosto normalmente totalmente fora do convencional para padrões de estética. Ver beleza e paz aonde a maioria das pessoas costumam enxergar o frio e a perturbação.
Ontem desenterrei alguns velhos livros de arte surrealista aqui em casa, e me deparei com dois ou três álbuns do suíço H.R.Giger.
H.R.Giger, para quem não conhece o cidadão, é mais conhecido no mainstream artístico pelo seu premiado design tanto do corpo quanto do meio ambiente de “Aliens” de 1979, tento conquistado o Oscar em 1980 pelo mesmo.
Me pergunto o que se passa na mente deste cara, é um mistério.
Hans Ruedi Giger nasceu em Chur, uma pequena cidade da Suíça, em 5 de fevereiro de 1940. Suas imagens detalhistas, realizadas em um estilo bastante peculiar, retratam paisagens e ambientes claustrofóbicos, habitados por seres monstruosos, amálgamas de elementos orgânicos e mecânicos.
Desde muito novo, Giger desenvolveu um gosto por coisas mórbidas e estranhas. Muitas das suas inspirações de início de carreira vinham de artistas como Arnold Böcklin, Jean Cocteau e Salvador Dali, de cujas obras colecionava reproduções (com Dali, inclusive, Giger chegaria a manter contatos pessoais, em meados da década de 1970). Giger partilhava com os chamados Surrealistas hábito como a leitura de Sigmund Freud, o cultivo do automatismo psíquico e a utilização de sonhos como matéria-prima de suas pinturas.
Além disso, interessava-se por escritores de literatura fantástica e ficção científica, em especial por Howard P. Lovecraft, inspirado no qual realizaria as ilustrações para o seu álbum mais famoso, o Necronomicon (1977).
Giger estudou Arquitetura e Desenho Industrial na Escola de Artes Aplicadas de Zurique, onde teve uma formação bastante variada. Além de pinturas, trabalhou desde cedo com decoração de interiores, escultura e cenografia. Essa atividade múltipla o ajudaria mais tarde a ingressar na indústria cinematográfica, para a qual contribui com certa assiduidade nas últimas décadas. Tendo começado a trabalhar para Hollywood em meados dos anos 1970, criou cenários e figurinos para alguns filmes, sempre com seu estilo particular.
Foi porém o seu trabalho em Alien, de Ridley Scott, que o tornou mundialmente famoso. Por esses seus trabalhos em Alien, Giger ganharia, inclusive, em 1980, o Oscar de Efeitos Visuais.
Trabalhou também como designer de revistas e de capas de discos, sendo hoje especialmente cultuado pelos leitores de histórias em quadrinhos, tatuadores e fãs de rock pesado. Provavelmente, essa sua ligação estreita com os meios de comunicação de massa contribuiu para que a historiografia e a crítica especializada de arte não considerasse seu trabalho digno de maiores atenções. Contemporâneo de movimentos como a Arte Minimalista e Conceitual, seu estilo figurativo carregado de implicações metafóricas, parecia a essa mesma crítica no mínimo anacrônico. Mesmo a execução de suas imagens, realizadas com a técnica do aerógrafo, que o artista passou a usar majoritariamente a partir da década de 1970, parecia mais relacionada ao mundo da ilustração publicitária e do kitsch, do que propriamente ao da chamada arte “erudita”.
Se à sua obra é comumente associado o termo grotesco em seu sentido corriqueiro, bizarro, disforme e monstruosa, sendo isso função óbvia dos temas por ele abordados, cumpre reconhecer que ela deve ser também relacionada ao sentido etimológico mais específico da palavra grotesco e ao estilo ornamental que tem essa mesma denominação.
"Aos retratos do mundo real, prefere-se agora pintar monstros nas paredes. Em vez de colunas pintam-se talos canelados, com folhas crespas, e volutas em vez da ornamentação dos tímpanos, bem como candelabros que apresentam edículas pintadas. Nos seus tímpanos brotam das raízes flores delicadas que se enrolam e desenrolam, sobre as quais se assentam figurinhas sem o menor sentido. Finalmente os pedúnculos sustentam meias figuras, umas com cabeça de homem, outras com cabeça de animal. [*]"
Tal tipo de ornamentação era condenada por críticos que, a exemplo de Vitrúvio, recriminavam veementemente o estilo por ser uma violação dos critérios de verdade natural. O grotesco não tinha apenas um caráter lúdico e decorativo mas continha, em última análise, algo de sinistro e angustiante. Parafraseando Wofgang Kaiser, um dos principais estudiosos do assunto, o mundo apresentado no grotesco é totalmente diferente do habitual: nele estão anuladas as ordens da natureza, isto é, o reino das coisas inanimadas não está mais separado daquele das plantas, dos animais ou dos seres humanos, e nele as leis da estática, da simetria e das proporções tem sua validade relativizada.
A justaposição de elementos oriundos das mais diversas categorias da natureza e da cultura é um recurso comum nas obras fantásticas, da Antiguidade até o Surrealismo. Na obra de Giger, muitos desses elementos pertencem ao universo da magia negra (cruzes, bruxas, o bode, o sudário, etc.) e alguns dos motivos são amálgamas de disparidades.
A utilização ornamental de motivos orgânicos como ossos ou vísceras é bastante freqüente em Giger, e é comum a associação entre a obra de Giger e os sentimentos de mal-estar, angústia e neurose. Especialmente as recorrentes alusões sexuais, mais ou menos veladas, presentes nas imagens do artista suíço parecem confirmar uma disposição mental pouco “sadia”.
A loucura é também amiúde relacionada ao gênero grotesco, pois, como afirma Kaiser, "o encontro com a loucura é como uma das percepções primigênias do grotesco que a vida nos impinge". E, de fato, podemos encontrar na arte dos alienados procedimentos compositivos semelhantes àqueles que acima sucintamente descrevi.
Também é comum na obra de Giger, assim como na dos alienados, a ocorrência daquilo que Arnheim chama de "trocadilhos visuais", isto é, "a fusão de elementos heterogêneos na base da semelhança externa". Tal é particularmente o caso com relação às referências de caráter sexual presentes na obra de Giger, que denotam um afastamento com relação às interações significativas existentes na realidade.
Tais observações indicariam os supostos limites da arte de Giger? Apesar de seu aspecto assustador, esta não passaria de um jogo formalístico unilateral, baseado em uma ordenação simples e alienada das vicissitudes da vida, em suma, incapaz de referir-se, como faz a arte “autêntica”, à existência em todos os seus aspectos essenciais e contraditórios?
Esse seria, certamente, um julgamento severo, que desconsideraria os diversos pontos interessantes que a obra de Giger apresenta. Outra convergência mais positiva entre as motivações profundas de Giger e as do grotesco podem ser intuídas das próprias declarações do artista, que muitas vezes disse ter pintado seres, situações ou ambientes oriundos de seus próprios pesadelos, com o intuito de tentar superar os medos por eles gerados. Nesse sentido, as imagens de H. R. Giger, à primeira vista doentias e repulsivas, não deixariam de desempenhar uma nobre função: materializando o obscuro, o sinistro e o inconcebível, elas permitiriam a todos nós, se não vencer, ao menos tomar consciência e conviver melhor com os aspectos negativos da existência.
[*]"Nam pinguntur tectoriis monstra potius quam ex rebus finitis imagines certae: pro columnis enim statuuntur calami, pro fastigiis harpagae et mituli striati cum crispis foliis et volutis, item candelabra aedicularum sustinentia figuras, supra fastigia earum surgentes ex radicibus cum volutis coliculi teneri plures habentes in se sine ratione sedentia sigilla, non minus etiam ex cauliculis flores dimidiata habentes ex se exeuntia sigilla, alia humanis, alia bestiarum capitibus similia". VITRUVIUS POLLIO, Marcus. De Architectura, livro VII, capíitulo 5, 3.
Faz um tempinho já que queria resenhar este cara por aqui, mas não fazia a menor idéia do que escrever a respeito, fora que é uma das melhores coisas que ouvi nos últimos tempos.
Claro, sou suspeito para escrever algo sobre eles, visto que recentemente tive a oportunidade de ter contato com a Cellista que toca com este distinto senhor – distinto, para não dizer estranhíssimo – a Srta. Julia Kent.
E óbvio, nem preciso mencionar o quão paga pau sou dessa mulher, ex- Rasputina junto com a Zöe Keating; que a estas horas também anda desenvolvendo seu trabalho solo bem como participação em outras bandas como a própria Srta. Kent - sinto eu que tudo o que esta mulher toca vira ouro, Cellisticamente falando, claro.
Mas isto não muda o fato de que temos em Antony uma genialidade absolutamente contundente, diretamente proporcional à figura bizarra enquanto sua faceta artística ao analisarmos o tipo de trabalho que o mesmo executa.
Se não, vejamos, o que dizer de um cantor e pianista branco, que beira o transexualismo mas com pitadas de androginia pura?
Nascido na Inglaterra e criado na Califórnia, Antony Hegart, hoje com trinta e poucos anos, desenvolveu sua carreira em Nova York. Atualmente em vias de lançar seu 3º trabalho de estúdio, o aguardado “The Crying Light”, Antony merecidamente conquistou espaço de destaque entre os compositores modernos como Damien Rice, Rufus Wainwrigth e Ellioth Smith entre outros.
Antony canta como se fosse um homem com voz feminina, algo como Morrissey encarnando Nina Simone, ou Marianne Faithfull, Scott Walker e Tom York juntos, interpretando peças líricas clássicas.
Ao contrário do bizarro “glam-poser” que viceja por aí, o transexualismo e a androginia que mencionei aí em cima são o ponto de partida artístico e existencial para as canções do Antony & The Johnsons. As referências de Antony são os filmes underground de Jack Smith nos anos sessenta, as operetas-pop de Klaus Nomi - este, também herói de Morrissey - nos anos setenta e, mais recentemente, Boy George.
E seguindo por esta linha, Antony nos brinda com um maravilhoso trabalho ao piano acompanhado pela banda, compondo musicas devastadoramente lindas. A música de Antony é perturbadora e comovente. Tanto que Lou Reed chorou da primeira vez que o viu cantar, tornando se assim um protegido do casal Reed + Laurie Anderson, cantando em dois discos do ex-Velvet Underground. Em troca, Lou tem uma participação em seu disco “I Am a Bird Now”, tocando guitarra e declamando os versos "I was lying in my bed last night staring / At a ceiling full of stars / When it suddenly hit me / I just have to let you know how I feel". E aí entra a voz de Antony - encharcada de soul, blues e melancolia - cantando: "We live together in a photograph of time/ I look into your eyes/ And the seas open up to me". Eu sei que há pessoas com nervos de aço, sem sangue nas veias e sem coração, mas até pra eles é difícil não engasgar nessa hora...
Em 1988, depois de vários anos cantando em cabarés, principalmente os de orientação GLS, Antony & The Jonhsons chegou ao primeiro disco homônimo, só editado oficialmente dois anos depois. Lançado por um pequeno selo londrino (Durtro, do músico experimental David Tibet), o disco contribuiu para formar um pequeno, mas ativo, grupo de fervorosos fãs. O sujeito é um fenômeno: ele manipula sua imagem de modo indefinível, canta com voz em vibrato melancólico e uma performance de palco no mínimo bizarra e arrebatadora. Seu trabalho de certa forma é dolorido, mas cheio de esperança. Há algo de quase espiritual nele, um traço semelhante à fé.
É uma música sofisticada, com músicos bem treinados e transbordando um verdadeiro rio de sentimentos diretamente para a alma. E sua voz tem alguma coisa que atinge o sistema nervoso, apoiado por um instrumental que nos remete aos cabarés antigos, quase todo à base de pianos, violoncelos, baixos e orquestra.
Poucas vezes ouvi uma voz tão encantadora como a de Antony. Se de um lado é forte e rouca, de outro jeito é sutil e sensível.
Nestes tempos de “hits” instantâneos, Antony & The Johnsons resgata o verdadeiro sentido estético e existencial da arte, da música, da canção e do cantar.
O que Antony produz, é mais do que apenas outro trabalho qualquer da indústria da música, é um verdadeiro sopro de criatividade,nos brindando com álbuns riquíssimos, onde cada canção é uma página do diário de Antony, é um livro aberto dos seus sentimentos, das suas dúvidas, das suas tristezas, sendo que Antony canta tudo isto com uma voz cheia de alma, que se divide entre a duma mulher e dum homem, é algo que existe entre os dois sexos e que não está ao meu alcance de descobrir o que é.
Digo-lhes que, definitivamente este é um dos melhores cantores / compositores que já escutei, e aguardo ansiosamente por alguém que o supere.
Suécia. Mulher. Cello. Tango. Beleza. Excelência. 
Aos primeiros minutos da gravação, vemos a Srta. Söderberg literalmente falando através de seu Cello, com uma beleza e poder de expressão estonteante. Sim, seu Cello nos diz coisas, possivelmente segredos. Com esta primeira música, “Viviana”, ela já nos mostra o tom apaixonado do Tango com pitadas de Jazz que irá ditar o ritmo ao longo deste trabalho. A suavidade, a maneira como o magistral piano do maestro Juan Esteban Cuacci parece se entrelaçar com o Cello, criando uma atmosfera única e mágica. Orgânica. Viva. “Viviana” é uma música viva. Aliás, o álbum inteiro o é. As vezes, ele “pausa” como se demonstrasse cansaço e pede um tempo para recobrar o fôlego. E, retorna, embalado pelo som do Cello, novamente, forte e sincero, repleto de sentimentos. Matizes. Inúmeras. E novamente, a expressividade.
Pois é. Mesmo durante as partes ditas mais “agitadas” deste álbum, a tal melancolia está ali, sempre presente. Não se escapa dela. É impressionante.
